Musical fuori dagli schemi: tra cinema sperimentale e visioni stravaganti

Nel vasto panorama dei musical, esistono titoli che si distinguono per la loro audacia e innovazione. Sono i musical bizzarri e sperimentali. Tra questi spicca “Les Parapluies de Cherbourg” (1964), un’opera in cui ogni parola è cantata, creando un’esperienza cinematografica unica per l’epoca. Diretto da Jacques Demy, il film narra una storia d’amore travagliata sullo sfondo della guerra d’Algeria, con Catherine Deneuve nei panni di Geneviève, una giovane donna che si innamora di Guy, un meccanico costretto a partire per il fronte. Innovativo nell’uso della colonna sonora composta da Michel Legrand, il film evita i dialoghi parlati trasformando l’intera narrazione in una melodia continua, sfidando le convenzioni narrative e cinematografiche del tempo. Oltre alla sua struttura musicale unica, “Les Parapluies de Cherbourg” è noto anche per la straordinaria fotografia, l’aspetto visivo curatissimo, i costumi eleganti, la scenografia ricca di dettagli e l’uso audace di colori vivaci che donano al film un’estetica inconfondibile e indimenticabile.

Un altro esempio di audacia nel musical è “Dancer in the Dark” (2000) di Lars von Trier. Questo film, descritto come un “anti-musical”, segue Selma JezkovÃ, un’immigrata ceca interpretata da Björk, affetta da una malattia genetica che la sta rendendo cieca. Il film è girato interamente con camera a mano, aggiungendo un senso di brutalità e immediatezza alla narrazione, mentre le scene musicali rappresentano i momenti di evasione dal duro realismo della vita di Selma. La regia di von Trier spinge i confini del genere, rinunciando agli elementi tipicamente brillanti dei musical per abbracciare toni drammatici e oscuri, trasformando la musica in un veicolo di disperazione e speranza.

Allontanandosi ulteriormente dallo stile tradizionale, “Hair” (1979), diretto da Milos Forman, porta sul grande schermo l’energia e lo spirito della controcultura hippie degli anni ’60. Basato sul famoso musical di Broadway, il film esplora tematiche di ribellione e pacifismo attraverso i vibranti numeri musicali che si intrecciano alla storia del giovane Claude, un ragazzo chiamato alle armi per il Vietnam. Con una colonna sonora che rimane emblematica, Hair cattura l’essenza di un’epoca tumultuosa, nonostante il declino del movimento hippie rispetto al decennio precedente.

Trasgressione e bizzarria nei musical

A inserirsi nel filone più stravagante e ribelle dei musical troviamo “The Rocky Horror Picture Show” (1975), un caposaldo del cinema cult che ha cementato il suo status attraverso spettacoli dal vivo e partecipazioni nello stile del partecipatory cinema. Basato sullo spettacolo teatrale di Richard O’Brien, il film, diretto da Jim Sharman, trasforma una visita casuale in un castello gotico in un turbinio di eventi inaspettati. Personaggi iconici come il Dr. Frank-N-Furter diventano simboli di una cultura queer e liberatoria, mentre i numeri musicali come “Time Warp” rimangono memorabili per la loro vivacità e irriverenza. La ricezione iniziale del film potrebbe essere stata tiepida, ma il fervore della sua fanbase ha portato a un continuo riconoscimento del suo impatto culturale.

Nella stessa linea di confine tra horror e musical, “Repo! The Genetic Opera” (2008) offre una fusione tra spettacolo gotico e realtà distopica. Diretto da Darren Lynn Bousman, il film ambientato nel 2056 presenta una società sconvolta da un’epidemia che ne minaccia la sopravvivenza, con la GeneCo che fornisce organi a rate ai moribondi. Questo incubo in musica è decorato da un’estetica visiva che sposa elementi horror e gotici con un’impronta rock, con la storia che si sviluppa tra tragica eredità e battaglie morali sul corpo umano. L’opera è amata da chi apprezza mescolare i generi e insaporirli con un’ampia dose di oscurità stilistica.

Il tema della vendetta, del sacrificio e dell’ambizione corrotta prende vita in “Il fantasma del palcoscenico” (1974) di Brian De Palma. Il film, in una miscela avvincente di vari riferimenti letterari come “Il fantasma dell’Opera” e “Faust”, racconta di Winslow Leach, cantautore la cui musica viene rubata da un produttore senza scrupoli. Intrigante nella sua narrativa e visivamente affascinante, il film impiega una colonna sonora accattivante, firmata Paul Williams, per dare una dimensione musicale al travaglio di Winslow, creando un’atmosfera di cupa tragedia e sottile critica al mondo dello spettacolo.

Un tuffo nel passato con idee innovative

Tra le opere che riportano il pubblico a epoche passate con un pizzico di ironia, “Bugsy Malone” (1976) rappresenta un caso più unico che raro, adottando il tropo del gangster movie e ricontestualizzandolo con un cast di bambini brillantemente diretto da Alan Parker. Scritto come una storia di gesta criminali durante il Proibizionismo, il film fa uso di bizzarre armi di crema al posto delle canoniche pistole, dando un tocco giocoso alla violenza del genere. Le musiche di Paul Williams, affidate a voci adulte, donano una patina di serietà a queste goffe e tenere battaglie di sapore infantile, facendo di “Bugsy Malone” un’opera che ammalia anche grazie alla sua spiccata originalità.

Tornando indietro nel tempo per analizzare la meccanicità e l’originalità del cinema musicale, Bellezze al bagno (Bathing Beauty, 1944), diretto da George Sidney, rappresenta un esempio emblematico di come danza e nuoto possano fondersi in un connubio visivo straordinario. Il film, uno dei primi a mettere in scena elaborate coreografie acquatiche, utilizza le spettacolari esibizioni natatorie come elemento centrale della narrazione, trasformandole in un simbolo di eleganza e modernità. La storia segue le vicende di un musicista, interpretato da Red Skelton, che si innamora di una giovane e talentuosa nuotatrice, interpretata da Esther Williams, la cui ascesa nel mondo dello spettacolo è ostacolata dal suo severo manager. Con il suo approccio innovativo, il film non solo cattura l’attenzione per la sua trama romantica e leggera, ma si distingue anche per le sue funzioni apotropaiche: le esibizioni acquatiche e le coreografie fungono da veri e propri spettacoli che incantano e affascinano il pubblico, conferendo al film un ruolo pionieristico nel ridefinire il musical cinematografico. Inoltre, l’uso di colori vivaci e una regia audace contribuiscono a creare un’estetica accattivante, rendendo l’opera un classico senza tempo che ha influenzato profondamente il genere.

I nostri consigli cinematografici

Nell’ambito dell’intrattenimento musicale, chi ha una sincera passione può trovare proficuo intraprendere l’esplorazione delle opere meno famose del cineasta giapponese Seijun Suzuki. Questo artista è rinomato per la sua capacità di creare uno stile visivo originale accompagnato da narrazioni eccentriche. Accanto ai lavori di Suzuki, esistono altri musical sperimentali che meritano attenzione per il loro approccio unico e fuori dagli schemi, capaci di sorprendere e affascinare anche il pubblico più esigente.

Un esempio affascinante è The Apple (1980) di Menahem Golan, un musical futuristico ambientato in un mondo distopico dove la musica pop è un mezzo di controllo sociale. Caratterizzato da una trama bizzarra che mescola temi biblici, satira sul mondo dello spettacolo e una colonna sonora kitsch, il film si distingue per il suo stile visivo sgargiante, con costumi e scenografie che sembrano provenire direttamente da un sogno psichedelico. Sebbene sia stato un flop al momento della sua uscita, è diventato un cult grazie al suo fascino stravagante e alla capacità di rappresentare gli eccessi degli anni ’80 con una visione ironica.

Un altro titolo da non perdere è Forbidden Zone (1980), diretto da Richard Elfman. Questo musical surreale porta gli spettatori in un mondo bizzarro e grottesco noto come la Sesta Dimensione. Con una trama assurda, personaggi caricaturali e una colonna sonora composta dal celebre Danny Elfman, il film mescola teatro dell’assurdo, elementi del vaudeville e una dose massiccia di humor nero. Le scenografie volutamente stilizzate e l’uso di animazioni rendono l’esperienza visiva tanto unica quanto destabilizzante, catturando lo spirito anarchico di un’epoca di sperimentazione artistica.

Questi film, insieme alle opere di Suzuki, offrono un itinerario emozionante attraverso un cinema musicale che sfida le convenzioni e spinge i confini dell’immaginazione.